Arte y naturaleza

El Neodadaísmo tuvo su desarrollo simultáneamente en Estados Unidos y en Europa a lo largo de la década de los cincuenta y comienzos de los sesenta. Pretendían convertir la pintura en un objeto, tratarla como algo exterior al artista. Para lograrlo incorporaron elementos de la realidad misma – trozos de fotografía, latas de cerveza usada o cualquier tipo de objeto cotidiano- a partir de lo cual pintaban por encima, pero neutralizando cada vez más su intervención pictórica hasta convertir el resultado final en una mera presentación de objetos.

En 1962 Joseph Beuys comenzó sus actividades con el movimiento Neodadaísta, del que llego a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público. Para Beuys la utilización del arte como un medio político de transformación de la realidad social tenía una gran importancia. Para él, los objetos y determinadas materias están cargadas de un simbolismo muchas veces biográfico. Sus acciones han sido descritas como íntimas, intensas y con una fuerte carga política. Utilizaba para sus acciones “partituras”. Eras pequeños esquemas de instrucciones para su realización. Sus acciones, al no ser literales, permiten una lectura amplia para el espectador, que facilita la apropiación individual de aquel que recibe la obra. Las obras de Beuys, sea cual sea la forma que toman, son muestras de una gama específica de actividades más que objetos susceptibles de adquirir existencia propia. Son interesantes tanto física como psicológicamente, pero no desde el punto de vista formal, y apoyan la intención de Beuys de ser un conductor o transmisor de fuerzas naturales ajenas a la sociedad en que trabaja.

A finales de los años 50, se dio en Estados Unido, en Europa y en Japón un nuevo movimiento artístico, el FLUXUS.

Este movimiento ofrece un nuevo punto de vista, y ofrece la oportunidad de obtener la libertad necesaria de pesar y de crear a voluntad propia, aceptando cualquier opinión. Tiene la idea de arte como diversión y se interesa más por la participación activa del público que por la obra en sí.

Hay un investigador científico llamado Cang Xin que se dedica a realizar fotografías y performances, en lugares conocidos como la Gran Muralla China. Se considera una especie de chamán, que se puede comunicar paralelamente con las entidades del reino del cielo, de los hombres y de la tierra.

Uno de los artistas más conocidos por sus obras en estas fechas es Zhu Ming, especialmente porque él es el protagonista de todas ellas. Según sus palabras, es el único modo en el que considera que puede trabajar con total y absoluta libertad.

Un trocito de Oriente

Aunque las técnicas de la impresión xilográfica ya se conocían en Japón desde el siglo VIII, se perfeccionó en el siglo XV unida a la publicación de textos y libros.

La mayoría de las xilografías de la era EDO eran obra de artistas poco conocidos y se usaban en la impresión de sencillos libros de entretenimiento y material didáctico. Las láminas de tinta eran monocromas y más adelante se iluminaron, primero con rojo bermellón, verde y amarillo introduciéndose la policromía en el siglo XVIII.

Los libros ilustrados se hicieron muy populares y fueron apareciendo libros sobre las costumbres y las fiestas con estampas de artistas famosos. Especialmente grande era la demanda de libros con escenas sobre el barrio del placer y sus cortesanas, y sobre el teatro y los actores del KABUKI, eran los llamados “EHON” (libros ilustrados).

Al principio las ilustraciones no iban firmadas, aunque se trataba de grabados de calidad, de ahí que se pueda suponer que algunas de ellas fueran obra de Moronobu y otros artistas que más adelante serían reconocidos como importantísimos maestros de la xilografía.

Las escuelas japonesas basaban sus enseñanzas en las copias de modelos que consideraban que concentraban con gran exactitud la experiencia pictórica de siglos. Su fin no era que los alumnos consiguieran la imitación externa de los estereotipos, sino que captasen el sentimiento que anima la pincelada, cuyo movimiento debía coincidir con el modelo. Se enseña que la mirada no sólo debe comprobar la forma de las líneas, si no que con el mismo cuidado debe comprobar los espacios intermedios. Las líneas se trazan de una sola vez; el alumno tiene que dominar la técnica hasta conseguir que el trazo sea correcto al primer intento, ya que no es posible corregir un dibujo a tinta china. La suma de los motivos y rasgos estilísticos configuraban una escuela determinada.

El grabado se caracterizaba por la temática que introduce, que pretende mostrar “el mundo que fluye” el mundo fugaz y efímero, la vida cotidiana, figuras femeninas, escenas eróticas, hechos históricos, espectáculos, fiestas paisajes, etcétera. La gran difusión está directamente relacionada con la venta fácil de estas obras que tenían una gran demanda entre la clase media ya que tanto se vendían en libros y carpetas como en hojas sueltas.

La Instalación artística

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general incorporan el espacio de demostración, tomando este espacio como un elemento más de la obra, sean estos espacios públicos museos, galerías de arte o espacios urbanos diversos. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

La instalación puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, ordenadores e internet, e incluso energía pura como el plasma.

Algunas son sitios específicos de arte como las exposiciones de arte contemporáneo la Documenta de Kassel o la Bienal de Venecia; que solo pueden existir en el espacio en el que han sido creadas.

Los nuevos credos

Hoy en día, en el siglo XXI, las religiones siguen siendo una fuerza muy influyente en la sociedad y sus gentes, pero hay una nueva religión capaz de movilizar a una cantidad de masas hasta ahora desconocida, y esa es el audiovisual, y su fuente de difusión más común, la televisión. A través de este medio se puede dar a conocer cualquier cosa, que ésta será tomada por verdadera debido al poder de atracción que posee el audiovisual, el espectador se siente tan identificado con lo que está viendo, que no puede por menos que darlo por verdadero, y es en ese factor en el que radica la facilidad para manipular a las masas, pues ¿qué pasaría si se anunciara en la televisión que el fin del mundo es dentro de dos días? Aunque la noticia fuera falsa, la reacción que posiblemente sucedería sería caótica, cundiría el pánico.

Es de este modo por el que se difunden las modas, las conductas de comportamiento y básicamente la definición de nuestra sociedad actual, la cual puede cambiar a antojo de la televisión y sus productores.

El arte se ha aprovechado muchísimas veces de esta cualidad que posee el audiovisual, para usarlo en su representación de críticas y hacer evidente su postura reivindicadora de la verdad.

Arte con carácter

Hay movimientos dentro del arte, que rompen tan radicalmente con los conceptos que se usaban en ese momento, que no se les puede clasificar de otro modo, son movimientos de arte con carácter, como por ejemplo el Suprematismo y el Constructivismo Ruso o el Rayonismo, y el lugar donde algunos tuvieron escuela fue la Bauhaus.

El Suprematismo es un movimiento de arte abstracto lanzado por Kasimir Malevich en 1915. En este movimiento sus cuadros son las obras abstractas más radicales y puras creadas hasta el momento, pues se componen solamente de formas geométricas simples, el cuadrado, el triángulo, el círculo, la cruz y el rectángulo, combinados con una reducida gama de colores. Según Malevich, todo lo expresivo y anecdótico que se encuentra aún en la abstracción, debe ser eliminado, aplicando en su lugar formas puras y absolutas en la plasmación de composiciones de armonías sencillas. El Suprematismo fue el vehículo de las ideas espirituales de Malevich, aunque sus seguidores en Rusia fueron figuras menores, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño en Occidente, en concreto en la Bauhaus.

El referente inicial del Constructivismo está en las primeras investigaciones sobre escultura que realiza Tatlin influido por el cubismo de Picasso. La consecuencia inmediata, a su vuelta a Rusia, es la construcción de una serie de maquetas en madera, metal, cartón y vidrio, sin referencia objetiva posible. Desaparece lo anecdótico en busca de la pureza del arte y adquieren protagonismo las formas geométricas y el espacio frente a la masa. El resultado es un conjunto de fuerzas dinámicas en tensión que se definen como constructivistas. Rodtchenko se une a las exploraciones escultóricas abstractas de Tatlin en 1916, Gabo y Pevsner lo hacen en 1917, mientras Exter y Popova se incorporan con la pintura. La palabra "constructivismo" parece que se empieza a utilizar por vez primera cuando Gabo y Pevsner publican el Manifiesto realista (1920), que inicia la separación del movimiento en dos tendencias. Una de carácter utilitario, liderada por Tatlin, que entiende la labor del artista al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, y otra de naturaleza estética que defiende la libertad de creación y llega a Europa en 1921 y 1922. Moholy-Nagy lo introduce en la Bauhaus y los plasma en su obra teórica y práctica de los años treinta. Durante esta década y al final de ella muchos artistas marchan a Inglaterra, para entonces las ideas del constructivismo son muy cercanas a las del Suprematismo y la abstracción espiritual.

El Rayonismo es un estilo pictórico practicado por artistas rusos, como Gontcharova y Larionov, entre 1912 y 1914. Surge como adaptación propia de los artistas hacia el futurismo, dándose a conocer por medio de un manifiesto redactado por Larinov y que es a su vez parte de una miscelánea editada con motivo de la exposición Blanco, celebrada en Moscú en 1913. Basado en unas composiciones construidas a partir de rayos de luz que se cruzan y se disuelven en motivos que cambian constantemente, es el Rayonismo un importante foco de teoría artística al fundir en sus lienzos una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del movimiento propiamente futurista, siendo el conjunto de la obra totalmente abstracto al romper el tema en haces de líneas sesgadas tal y como se observa en Bosque verde y amarillo de Gontcharova, llegando el tema a desaparecer en otras ocasiones, como en Vidrio de Larionov. El movimiento tuvo corta vida por lo que no llegó a crear escuela.